Μη προφανείς λόγοι για τους οποίους αγαπάμε κάποιες ταινίες και δυσκολευόμαστε να ανεχόμαστε άλλες

2024 Συγγραφέας: Malcolm Clapton | [email protected]. Τελευταία τροποποίηση: 2023-12-17 03:52

Λεπτές λεπτομέρειες του μοντάζ, τεχνικές κάμερας και άλλα κόλπα που σας επιτρέπουν να νιώσετε την ατμόσφαιρα.

Τις περισσότερες φορές, όταν συζητάμε για τον κινηματογράφο, οι άνθρωποι μιλούν για την πλοκή και την υποκριτική. Φυσικά, αυτά είναι σημαντικά συστατικά κάθε ταινίας. Αλλά συμβαίνει να μην μπορείτε να ξεκολλήσετε τα μάτια σας από μια φωτογραφία, αν και η δράση εξελίσσεται πολύ αργά και μια άλλη ιστορία γίνεται γρήγορα βαρετή, παρά τα πολλά γεγονότα. Μερικοί συγγραφείς καταφέρνουν να κάνουν τον θεατή να πιστέψει στις πιο φανταστικές στροφές, ενώ άλλοι κάνουν ακόμα και πραγματικές καταστάσεις σαν παιχνίδια. Και είναι απλά ωραίο να βλέπεις κάποιες κασέτες, ενώ άλλες είναι δύσκολες.

Το θέμα είναι ότι, εκτός από την πλοκή και τους ηθοποιούς, υπάρχουν πολλές ενδιαφέρουσες τεχνικές που χρησιμοποιούν οι σκηνοθέτες για να βοηθήσουν τον θεατή να νιώσει τη δράση και να απολαύσει αυτό που συμβαίνει στην οθόνη. Αυτές οι λεπτές αποχρώσεις μπορεί να μην γίνονται καν αντιληπτές, αλλά εξακολουθούν να επηρεάζουν πολύ την αντίληψη της εικόνας.

Χρωματικό φάσμα

Το πρώτο πράγμα που πρέπει να παρατηρήσετε είναι ότι τα χρώματα στις ταινίες συχνά δεν είναι καθόλου ίδια με την πραγματική ζωή. Μπορεί να είναι αρκετά προφανές (για παράδειγμα, αν η εικόνα είναι ασπρόμαυρη), ή να μην το καταλάβετε αμέσως. Αυτό όμως δεν είναι τυχαίο.

Δημιουργία ατμόσφαιρας

Με τη βοήθεια των χρωμάτων, μπορείτε να μεταφέρετε καλύτερα την ατμόσφαιρα αυτού που συμβαίνει, να δημιουργήσετε μια διάθεση στον θεατή και ακόμη και να δείξετε τα συναισθήματα των ίδιων των χαρακτήρων.

Πάρτε για παράδειγμα το δημοφιλές franchise X-Men. Στην κύρια σειρά ταινιών, η φωτεινή και πλούσια εικόνα μοιάζει με κόμικ. Και σε αντίθεση με αυτούς στο νουάρ «Logan», όπου μιλούν για τα γηρατειά και την κούραση του ήρωα, επιλέγονται πιο χλωμοί τόνοι.

Πλάνα από την ταινία "X-Men: Apocalypse"

Στιγμιότυπο από την ταινία "Logan"

Στην ταινία «Mad Max: Fury Road» το μεγαλύτερο μέρος της δράσης διαδραματίζεται σε μια καυτή περιοχή της ερήμου. Είναι λογικό ότι η εικόνα γυρίστηκε σε κίτρινες-πορτοκαλί αποχρώσεις, που σε κάνουν να νιώθεις τον καυτό ήλιο και την ξηρότητα.

Για λόγους σαφήνειας, μπορείτε να πάρετε ένα πλαίσιο και να αλλάξετε το συνδυασμό χρωμάτων. Θα φανεί αμέσως ότι έχει γίνει πιο κρύο.

Πλάνα από την ταινία "Mad Max: Fury Road"

Ίδιο κάδρο, αλλά σε ψυχρά χρώματα

Για να δημιουργήσετε μια εικόνα με αντίθεση, οι σύγχρονες υπερπαραγωγές και γενικά ο μαζικός κινηματογράφος γίνονται πιο μπλε και πορτοκαλί.

Αλλά ο διάσημος Wes Anderson λατρεύει μια απαλή ροζ παλέτα. Δίνει στον θεατή την αίσθηση μιας παλιάς ρομαντικής ταινίας. Και ό,τι συμβαίνει γίνεται αντιληπτό πιο ήρεμα και πιο εύκολα.

Όταν θέλουν να δημιουργήσουν μια ατμόσφαιρα του μέλλοντος και της φαντασίας, στρέφονται επίσης συχνά στην μπλε γκάμα. Και λατρεύουν ιδιαίτερα τα νέον χρώματα, τα οποία είναι σταθερά συνδεδεμένα στο κεφάλι του θεατή με το cyberpunk και την τεχνολογία.

Περιττό να πούμε ότι οι δημιουργοί ταινιών τρόμου προτιμούν τα σκούρα χρώματα. Υπάρχουν διάφοροι λόγοι για αυτό. Φυσικά, αυτός είναι εν μέρει ένας τρόπος άντλησης της ατμόσφαιρας. Πολλοί άνθρωποι φοβούνται ήδη το σκοτάδι και στις ταινίες τρόμου υπάρχουν επίσης τέρατα που κρύβονται σε αυτό.

Επιπλέον, μια σκοτεινή εικόνα σάς επιτρέπει να κρύψετε ελαφρώς τις ατέλειες των γραφικών ή του μακιγιάζ και να εξοικονομήσετε χρήματα στην παραγωγή. Είναι αλήθεια ότι υπάρχει ένας κίνδυνος σε αυτό: εάν σκουρύνετε πολύ το πλαίσιο, τότε ο θεατής μπορεί απλώς να μην δει τι συμβαίνει στην οθόνη, ειδικά σε έναν κακό κινηματογράφο ή σε μια παλιά τηλεόραση. Για παράδειγμα, αυτό συνέβη στην ταινία του 2018 Slenderman.

Αν και ορισμένοι πρωτότυποι σκηνοθέτες μπορούν να παίξουν σε αντίθεση. Για παράδειγμα, ο Ari Astaire στο «Solstice» έδειξε τη χαρακτηριστική ατμόσφαιρα μιας ταινίας τρόμου: οι ήρωες βρίσκονται σε ένα απομονωμένο χωριό όπου συμβαίνουν τρομερά πράγματα.

Αλλά ταυτόχρονα, η εικόνα είναι πολύ φωτεινή, δεν υπάρχουν σχεδόν σκοτεινές σκηνές σε αυτήν και τα ρούχα των ηρώων είναι λευκά. Και αυτό το κάνει ακόμα πιο τρομακτικό, γιατί δεν υπάρχει πουθενά να κρυφτείς από τη φρίκη.

Διαχωρίζοντας μέρη οικοπέδου

Μια ταινία μπορεί να έχει πολλά διαφορετικά χρωματικά φίλτρα. Χρησιμοποιούνται για να διαχωρίσουν τις ιστορίες με μεγαλύτερη σαφήνεια. Και με το σωστό ταλέντο, αυτή η προσέγγιση βοηθά να φωτίσει την εικόνα.

Το Matrix είναι ένα εξαιρετικό παράδειγμα. Το λογότυπο αυτής της ταινίας κατασκευάστηκε με σύμβολα πράσινου κώδικα, που υποδηλώνουν το πρόγραμμα στο οποίο ζουν οι άνθρωποι. Γι' αυτό όλα όσα συμβαίνουν στον εικονικό κόσμο κινηματογραφήθηκαν μέσα από ένα πρασινωπό φίλτρο. Και τα πραγματικά γεγονότα εμφανίζονται με μπλε χρώμα.

Σκηνή από την ταινία «The Matrix», δράση στον εικονικό κόσμο

Σκηνή από την ταινία «The Matrix», δράση στην πραγματική ζωή

Και μόνο στο τέλος του τρίτου μέρους, όταν άνθρωποι και μηχανές συνήψαν μια ειρηνευτική συμφωνία, τα καθαρά μπλε και πράσινα χρώματα εμφανίζονται ταυτόχρονα στο κάδρο.

Στο Inception του Christopher Nolan, οι χαρακτήρες μετακινούνται από τον πραγματικό κόσμο στον ύπνο, μετά στον ύπνο μέσα στον ύπνο και ούτω καθεξής. Για να διαχωρίσει πιο καθαρά τα «στρώματα», ο σκηνοθέτης επέλεξε το δικό του χρωματικό συνδυασμό για καθένα από αυτά.

Πλάνα από την ταινία «Inception», το πρώτο όνειρο

Πλάνα από την ταινία «Inception», δεύτερο όνειρο

Πλάνα από την ταινία «Inception», τρίτο όνειρο

Στο πρώτο επίπεδο ύπνου, τα πάντα κινηματογραφούνται σε μια μπλε παλέτα, το δεύτερο είναι κίτρινο, το τρίτο είναι λευκό. Και μόνο στο τελευταίο όνειρο ενώνονται ξανά όλες οι αποχρώσεις, όπως στον πραγματικό κόσμο.

Στο Blade Runner 2049 του Denis Villeneuve, διαφορετικά χρώματα αντανακλούσαν τόσο την τοποθεσία όσο και την εσωτερική κατάσταση του πρωταγωνιστή.

Πλάνα από την ταινία "Blade Runner 2049"

Πλάνα από την ταινία "Blade Runner 2049"

Πλάνα από την ταινία "Blade Runner 2049"

Πλάνα από την ταινία "Blade Runner 2049"

Όλα ξεκινούν με τον χαρακτήρα του Ράιαν Γκόσλινγκ να περιπλανιέται στην ομίχλη, μετά περνά μέσα από μια καυτή πορτοκαλί έρημο, νέον φουτουρισμό και μια νυχτερινή πλημμύρα. Και η ιστορία τελειώνει σε ένα χιονισμένο φόντο, αντανακλώντας την ηρεμία και την κάθαρση.

Άρνηση χρώματος

Μια φορά κι έναν καιρό, όλες οι ταινίες ήταν ασπρόμαυρες. Απλά γιατί δεν ήξεραν πώς να τραβήξουν διαφορετικά και ήταν δυνατό να χρωματίσουν τα καρέ μόνο με το χέρι. Στη συνέχεια ήρθαν οι έγχρωμες ταινίες και η κινηματογράφηση έγινε πολύ πιο ρεαλιστική.

Αλλά ταυτόχρονα, η ασπρόμαυρη φωτογραφία δεν ανήκει εντελώς στο παρελθόν. Εξακολουθούν να χρησιμοποιούνται για καλλιτεχνικούς σκοπούς. Για παράδειγμα, για να οριοθετήσετε διαφορετικούς κόσμους ή ιστορίες.

Έτσι, στο «The Wizard of Oz» το 1939, το χρώμα εμφανίζεται όταν η Ντόλι μπαίνει στον κόσμο των νεραϊδών.

Ακόμα από την ταινία «Ο Μάγος του Οζ», συνηθισμένος κόσμος

Ακόμα από την ταινία «Ο Μάγος του Οζ», χώρα των νεραϊδών

Στο «Stalker» του Αντρέι Ταρκόφσκι τα χρώματα επίσης απουσιάζουν από τη συνηθισμένη ζωή των ηρώων. Και όταν οι χαρακτήρες μπαίνουν στη μυστικιστική "Ζώνη", ο κόσμος γίνεται φωτεινός - είναι εδώ που οι άνθρωποι αποκαλύπτονται πραγματικά.

Ή παρόλα αυτά ο Christopher Nolan στην ταινία "Remember" έδειξε ένα μέρος της δράσης με την άμεση σειρά και το δεύτερο - στο αντίθετο. Επομένως, η μισή ταινία είναι γυρισμένη έγχρωμη και η άλλη ασπρόμαυρη.

Ακόμα από την ταινία "Remember", απευθείας παραγγελία

Ακόμα από την ταινία "Remember", αντίστροφη σειρά

Επιπλέον, μια ασπρόμαυρη εικόνα σάς επιτρέπει να επισημάνετε πιο ζωντανά ορισμένες λεπτομέρειες προσθέτοντας απλώς χρώμα σε αυτές. Για πρώτη φορά, ο Σεργκέι Αϊζενστάιν το έκανε αυτό όταν ζωγράφισε με το χέρι τη σημαία στο Θωρηκτό Ποτέμκιν το 1925.

Στη συνέχεια, αυτή η τεχνική χρησιμοποιήθηκε σε εντελώς διαφορετικά είδη. Στη Λίστα του Σίντλερ του Στίβεν Σπίλμπεργκ, η εμφάνιση ενός κοριτσιού με κόκκινο παλτό γίνεται μια από τις πιο συναισθηματικές στιγμές.

Και ακόμη και στην ταινία κόμικ Sin City, αυτή η προσέγγιση χρησιμοποιείται επανειλημμένα, με έμφαση στο κόκκινο κραγιόν, τα λαμπερά μάτια ή το αίμα.

Κατασκευή πλαισίου

Κανόνας τρίτων

Μία από τις θεμελιώδεις αρχές τόσο του φιλμ όσο και της φωτογραφίας. Αυτό είναι κάτι σαν απλοποιημένος κανόνας της «χρυσής αναλογίας».

Είναι απλό: κατά τη λήψη, η οθόνη χωρίζεται σε τρία μέρη κάθετα και οριζόντια. Τα πιο σημαντικά στοιχεία για το οικόπεδο θα πρέπει να βρίσκονται σε αυτές τις γραμμές, καθώς και στη διασταύρωση τους. Αυτό θα διευκολύνει τον θεατή να εστιάσει στα επιθυμητά σημεία.

Τοποθετήστε σε τετράγωνο

Εάν χωρίσετε υπό όρους το καρέ στο μισό ή σε τέσσερα ίσα μέρη, τότε μπορείτε να κάνετε τον θεατή να καταλάβει χωρίς λόγια ποια θέση κατέχει ο χαρακτήρας στην ιστορία.

Αυτή η τεχνική φαίνεται πιο ξεκάθαρα στην ταινία «Drive» του Nicholas Winding Refn. Για παράδειγμα, εάν το πρόσωπο του κύριου χαρακτήρα εμφανίζεται στην επάνω αριστερή γωνία και στο επόμενο πλαίσιο εμφανίζεται ένας άλλος χαρακτήρας στην ίδια θέση, τότε αυτό είναι μια υπόδειξη ότι οι χαρακτήρες θα είναι αντίπαλοι.

Επιπλέον, το ίδιο Refn μπορεί να πει δύο ιστορίες παράλληλα: στο πάνω και κάτω μέρος της οθόνης ή στο αριστερό και το δεξί μισό. Ο θεατής μπορεί να μην παρατηρήσει αυτή την κίνηση, αλλά και πάλι η αντίληψη των χαρακτήρων θα είναι πιο ολοκληρωμένη. Επιπλέον είναι απλά όμορφο.

Συμμετρία

Άλλη μια τεχνική ψυχολογική και αισθητική ταυτόχρονα. Συχνά, οι βολές όπου το αριστερό μισό αντικατοπτρίζει το δεξί μισό γίνονται μόνο για ομορφιά.

Μερικές φορές όμως μεταφέρουν την αντίθεση των χαρακτήρων. Και αν ο ήρωας κοιτάξει στον καθρέφτη, θα δείξει τη σκοτεινή του πλευρά ή τη διαφορά μεταξύ ονείρων και πραγματικότητας. Εν ολίγοις, οποιαδήποτε αλληγορία μπορεί να θεωρηθεί για στοχασμούς.

Ακόμα από την ταινία "2001: A Space Odyssey"

Πλάνα από την ταινία "The Shining"

Στιγμιότυπο από την ταινία «Τζόκερ».

Ολλανδική γωνία

Για να δείξουν την αστάθεια του πρωταγωνιστή, τις αμφιβολίες του για κάτι ή προβλήματα μνήμης, χρησιμοποιούν μια πολύ οπτική τεχνική. "Ολλανδική γωνία" σημαίνει ότι η κάμερα δεν τραβάει ευθεία, αλλά έχει κλίση. Πολλά παραδείγματα αυτής της προσέγγισης μπορούν να βρεθούν στις ταινίες του Ντάνι Μπόιλ.

Είναι ασυνήθιστο για τον θεατή να κοιτάξει την εικόνα από μια γωνία, επομένως αντιλαμβάνεται καλύτερα την άβολη κατάσταση του χαρακτήρα.

Ωστόσο, είναι σημαντικό να τηρηθεί το μέτρο εδώ. Για παράδειγμα, η καταστροφική ταινία «Battlefield: Earth» γυρίστηκε εξ ολοκλήρου υπό γωνία. Αλλά σε μιάμιση ώρα, ο θεατής πιθανότατα θα έχει απλώς πονόλαιμο.

Σκοποβολή από κάτω και από πάνω

Μια άλλη από τις απλές αλλά αποτελεσματικές τεχνικές που σας επιτρέπει να μεταφέρετε την αίσθηση του εαυτού των ηρώων. Έτσι μπορείτε να δείξετε, για παράδειγμα, ποιος είναι ο κύριος της κατάστασης. Και μετά θυμάμαι αμέσως τις κασέτες του Κουέντιν Ταραντίνο, όπου οι χαρακτήρες κοιτάζουν κάτω στο μπαούλο.

Πλάνα από την ταινία "From Dusk Till Dawn"

Πλάνα από την ταινία "Reservoir Dogs"

Και το σουτ από ψηλά σε κάνει να νιώθεις ότι ο ήρωας νιώθει ανασφάλεια. Να πόσο αστείο το έπαιξαν στη διάσημη σκηνή από την ταινία «What Men Talk About», όπου ο χαρακτήρας του Kamil Larin, σαν παιδί, δικαιολογεί τον θυρωρό σε ένα ακριβό εστιατόριο:

Διάλογος και κίνηση

Δράση φόντου

Μια τεχνική που χρησιμοποιείται συχνότερα στην κωμωδία ή τον τρόμο. Σε πρώτο πλάνο δεν συμβαίνει τίποτα ενδιαφέρον. Και όλα τα πιο σημαντικά ξεδιπλώνονται στο φόντο, το οποίο μπορεί να είναι σκοτεινό ή θολό.

Για παράδειγμα, ο πρωταγωνιστής της ταινίας «Zombie Called Sean» πηγαίνει στο μαγαζί. Όλα είναι πολύ εγκόσμια γι' αυτόν. Και στο βάθος υπάρχει μια πραγματική αποκάλυψη:

Ανάλογα με το είδος και την παρουσίαση, αυτό μπορεί να δημιουργήσει είτε ένα πολύ αστείο εφέ είτε ένταση - έτσι συχνά οι κύριοι ουρλιαχτοί κρύβονται σε ταινίες τρόμου.

Συζητήσεις σε κίνηση

Ο πιο συνηθισμένος τύπος διαλόγου στις ταινίες είναι ότι οι χαρακτήρες κάθονται και συνομιλούν. Σε αυτήν την περίπτωση, η κάμερα παραδοσιακά αλλάζει μεταξύ προσώπων.

Αν όμως η σκηνή διαρκεί πολύ, τότε ο θεατής θα κουραστεί από τη συνεχή επανάληψη των ίδιων γωνιών. Επομένως, οι καλοί σκηνοθέτες είτε συμπληρώνουν είτε αλλάζουν το σκηνικό τέτοιων σκηνών.

Έτσι, στις ταινίες του Κουέντιν Ταραντίνο, οι χαρακτήρες μιλούν σχεδόν συνεχώς. Αλλά ο κύριος δεν σας αφήνει να βαρεθείτε, γιατί οι διάλογοι μπορούν να γίνουν κατά την οδήγηση. Λόγω της συνεχούς αλλαγής του φόντου, η δράση δεν φαίνεται να είναι μονότονη.

Και ακόμα κι αν οι χαρακτήρες βρίσκονται στο ίδιο δωμάτιο, η κάμερα δεν αλλάζει ακριβώς έτσι. Μπορεί να κινείται γύρω τους, δημιουργώντας το αποτέλεσμα της παρουσίας και ακόμη και της συμμετοχής στη συζήτηση. Σχεδόν όλοι οι χαρακτήρες μπορούν να προβληθούν χωρίς περιττή επεξεργασία.

Ο Nicholas Winding Refn καταφέρνει να χρησιμοποιήσει το ήδη αναφερθέν παιχνίδι με χρώμα και προβληματισμό σε απλή συνομιλία. Στο Drive, ο πρώτος διάλογος των πρωταγωνιστών μοιάζει πολύ απλός.

Ταυτόχρονα όμως, ο χαρακτήρας του Ράιαν Γκόσλινγκ βρίσκεται πάντα σε μπλε φόντο (αυτός ο χρωματικός συνδυασμός τον συνοδεύει σε όλη την ταινία). Και η ηρωίδα Carey Mulligan στέκεται στους πορτοκαλί τοίχους. Και αυτό δείχνει ότι κάτι τους χωρίζει, παρόλο που είναι κοντά.

Ο κανόνας των 180 μοιρών

Υπάρχει ένα ακόμη σημαντικό σημείο κατά τη διάρκεια των γυρισμάτων. Εάν μετακινήσετε την κάμερα περισσότερο από 180 μοίρες όταν αλλάζετε γωνίες, ο θεατής θα μπερδευτεί. Για παράδειγμα, όταν ο ήρωας τρέχει, θα φαίνεται ότι έχει γυρίσει και κινείται προς την αντίθετη κατεύθυνση.

Και αυτό είναι εξίσου σημαντικό ακόμη και κατά τη διάρκεια των διαλόγων. Για να μην δημιουργηθεί η εντύπωση ότι όλοι στο κάδρο έχουν μετακινηθεί απότομα, ο χειριστής και ο σκηνοθέτης επιλέγουν μια συγκεκριμένη γραμμή πέρα από την οποία δεν πρέπει να πάει η κάμερα.

Είναι περίεργο ότι μια σκόπιμη παραβίαση αυτού του κανόνα μπορεί να χρησιμοποιηθεί απλώς για να μπερδέψει τον θεατή, για να δείξει τη σύγχυση του ήρωα. Και με τη δέουσα φαντασία, οι συγγραφείς δημιουργούν πιο ασυνήθιστες σκηνές. Για παράδειγμα, η συζήτηση του Γκόλουμ με τον εαυτό του. Ο χαρακτήρας εμφανίζεται απλώς από διαφορετικές πλευρές, αλλά αυτό δημιουργεί το αποτέλεσμα ότι υπάρχουν δύο ομιλητές και βρίσκονται σε διάλογο.

Χαρακτηριστικά εγκατάστασης

Το μοντάζ σάς επιτρέπει να κάνετε τη δράση της ταινίας πιο δυναμική, «παρακάμπτοντας» τις βαρετές στιγμές της ζωής και επιτρέποντάς σας να δείτε τι συμβαίνει από διαφορετικές οπτικές γωνίες. Η απλούστερη μορφή του είναι η αφήγηση. Δηλαδή τα γεγονότα στο κάδρο διαδραματίζονται το ένα μετά το άλλο. Αυτό εξηγήθηκε με μεγαλύτερη σαφήνεια στο The Man from Boulevard des Capucines.

Αλλά μπορείτε να δείξετε τα γεγονότα της ταινίας με διαφορετικό τρόπο, και για αυτό χρησιμοποιούν διαφορετικές τεχνικές.

Παράλληλη εγκατάσταση

Σε αντίθεση με τη διαδοχική αφήγηση, μερικές φορές οι συγγραφείς θέλουν το κοινό να δει τι συμβαίνει την ίδια στιγμή σε διαφορετικά μέρη. Και μετά οι σκηνοθέτες στρέφονται στο παράλληλο μοντάζ.

Αυτό κάνει την πλοκή πιο περιπετειώδη. Πρέπει όμως να είστε προσεκτικοί. Άλλωστε, αν δείξετε με τη σειρά σας τις σκηνές που συμβαίνουν ταυτόχρονα, μπορεί να έχετε την εντύπωση ότι κάθε μία από αυτές διαρκεί περισσότερο.

Ένα εντυπωσιακό παράδειγμα ανεπιτυχούς παράλληλης επεξεργασίας είναι το "Furious-6". Οι ήρωες προσπαθούν να δραπετεύσουν σε ένα αεροπλάνο που οδηγεί κατά μήκος του διαδρόμου, τα αυτοκίνητα τους κυνηγούν και μια μάχη γίνεται μέσα στο πλοίο της γραμμής.

Οι συγγραφείς επιδεικνύουν τόσα πολλά γεγονότα ταυτόχρονα που στην οθόνη το αεροπλάνο φαίνεται να επιταχύνει για τουλάχιστον 15 λεπτά. Περιττό να πούμε ότι αυτό σκοτώνει όλο τον ρεαλισμό της κατάστασης;

Ο Κρίστοφερ Νόλαν, από την άλλη πλευρά, θεωρείται ευρέως ως δεξιοτέχνης του παράλληλου μοντάζ. Ο σκηνοθέτης το χρησιμοποιεί σε πολλά από τα έργα του, αλλά το The Beginning είναι το καλύτερο παράδειγμα. Γεγονότα σε διαφορετικά επίπεδα ύπνου συμβαίνουν ταυτόχρονα και με διαφορετικούς ρυθμούς (σε βαθύτερο ύπνο, ο χρόνος κινείται πιο αργά).

Εδώ, ο ήδη αναφερόμενος διαχωρισμός των χρωμάτων προστίθεται στη δράση και ο θεατής δεν μπερδεύεται σε αυτό που συμβαίνει, αλλά αντιλαμβάνεται όλη την σφαιρικότητα των γεγονότων.

Παρεμπιπτόντως, είναι ενδιαφέρον ότι στην ταινία "Dunkirk" ο Nolan είναι ακόμα πιο πνευματώδης με αυτήν την τεχνική. Δείχνει παράλληλα τα γεγονότα που διαδραματίζονται στο έδαφος, στο νερό και στον αέρα. Στην πραγματικότητα, η χρονολογία είναι εντελώς διαφορετική, και όλα συγκλίνουν μόνο στο φινάλε.

Flashbacks και Flash Forwards

Μερικές φορές οι συγγραφείς ενσωματώνουν τις αναμνήσεις τους από το παρελθόν - αναδρομές στο παρελθόν - στη γραμμική ιστορία των ηρώων. Αυτά μπορεί να είναι πολύ σύντομα φλας λίγων δευτερολέπτων ή ολόκληρες ιστορίες.

Μεγάλος θαυμαστής τέτοιων στιγμών είναι ο Jean-Marc Vallee. Έτσι, προσθέτει ένταση στις φαινομενικά ήρεμες σκηνές. Ή ξεκαθαρίζει ότι ο χαρακτήρας εξαπατά κάποιον: λέει ένα πράγμα, αλλά κάτι εντελώς διαφορετικό εμφανίζεται στις αναμνήσεις του.

Δεν είναι δύσκολο να μαντέψει κανείς ότι τα flashforwards είναι οι ίδιες ιστορίες, αλλά από το μέλλον. Χρησιμοποιούνται λιγότερο συχνά, συνήθως σε ιστορίες επιστημονικής φαντασίας ή μυστικιστικές ιστορίες. Σε μια τέτοια τεχνική, έχτισαν ακόμη και μια ολόκληρη σειρά, όπου, κατά τη διάρκεια μιας συγκεκριμένης έκλειψης, κάθε άτομο είδε κάποια στιγμή από το μέλλον του.

Και πιο πέρα στην πλοκή, όλοι προσπαθούν να ανακαλύψουν τους λόγους για αυτό που συνέβη και να κατανοήσουν το νόημα των οραμάτων τους. Η σειρά ονομάστηκε έτσι: Flashforward (σε ρωσική μετάφραση - "Θυμηθείτε τι θα συμβεί"). Είναι αλήθεια ότι κράτησε μόνο μία σεζόν.

Jump-cut

Αυτή η τεχνική εφαρμόζεται ήδη στη γραμμική επεξεργασία. Σημαίνει μια απότομη μετάβαση μεταξύ των πλαισίων. Το χρησιμοποιούν για εντελώς διαφορετικούς σκοπούς.

Στο Little Shop of Horrors του Frank Oz, ένα τέτοιο μοντάζ βοηθά να δείξει το μακρύ και βαρετό πέρασμα του χρόνου.

Όμως ο Λαρς φον Τρίερ, που επίσης χρησιμοποιεί συχνά το jump-cut στα έργα του, μεταφέρει με αυτόν τον τρόπο το συναισθηματικό στρες και την ψυχολογική αστάθεια των χαρακτήρων. Η λήψη έτσι κάνει την εικόνα πιο «νευρική». Στην κασέτα "Ηλίθιοι", αυτό είναι πολύ κατάλληλο:

Επεξεργασία σε σχήμα και ήχο

Για να γίνουν αντιληπτά τα διάφορα γεγονότα που παρουσιάζονται στην ταινία ως συνέχεια του άλλου, οι συγγραφείς χρησιμοποιούν συχνά οπτικές συμπτώσεις. Δηλαδή, τα περιγράμματα κάποιου αντικειμένου σε ένα πλαίσιο επαναλαμβάνονται στο επόμενο. Και μερικές φορές μπορεί να φαίνεται πολύ πνευματώδης.

Ομοίως, μπορείτε να «αγκιστρώσετε» τον θεατή με ήχο. Η κραυγή συνεχίζεται με το σφύριγμα του βαπόρι και το industrial βουητό αντικαθίσταται από μουσική του ίδιου ρυθμού. Ή το σφύριγμα ενός χαλασμένου σωλήνα μετατρέπεται σε τρίξιμο ψησίματος κρέατος.

Επιπλέον, ο ήχος μπορεί να είναι ελαφρώς μπροστά ή να υστερεί σε σχέση με αυτό που εμφανίζεται στην οθόνη. Αυτό γίνεται για να γίνουν οι σκηνές πιο συνδεδεμένες. Δηλαδή, ο θεατής εξακολουθεί να ακούει ομιλία και θρόισμα από το προηγούμενο καρέ, αλλά η δράση έχει ήδη αλλάξει. Ή το αντίστροφο.

Έλλειψη εγκατάστασης

Αυτή είναι μια τολμηρή κίνηση: οι σκηνοθέτες τραβούν μεγάλες σκηνές χωρίς καθόλου μοντάζ ή το κρύβουν με διάφορους τρόπους.

Αυτό κάνει αυτό που συμβαίνει στην οθόνη πιο ρεαλιστικό, δίνει στον θεατή μια αίσθηση του ρυθμού της ίδιας της ιστορίας. Αλλά, φυσικά, αυτή η προσέγγιση απαιτεί πολύ περισσότερες πρόβες και επενδύσεις. Μετά από όλα, κατά τη διάρκεια της επεξεργασίας, μπορείτε να κόψετε ανεπιτυχή μικρά πράγματα.

Έτσι, ο Joe Wright στην ταινία "Atonement" έδειξε μια πεντάλεπτη σκηνή με την εκκένωση των στρατευμάτων από τη Δουνκέρκη κατά τη διάρκεια του Β' Παγκοσμίου Πολέμου. 1.300 άτομα συμμετείχαν στη σκηνή του πλήθους, με εξοπλισμό να κινείται στο κάδρο, ενώ στο βάθος σημειώνονται εκρήξεις. Αυτή η προσέγγιση είναι που μεταφέρει όλη την κατήφεια και το χάος αυτού που συμβαίνει.

Οι σύγχρονες τεχνολογίες καθιστούν δυνατό τον χειρισμό της εγκατάστασης με μεγαλύτερη ακρίβεια. Και βοήθησε τον Alejandro Gonzalez Iñarrit να πυροβολήσει το Birdman. Σε αυτό, δεν παρατηρείτε καν ότι ολόκληρη η δράση εμφανίζεται σε ένα συνεχές καρέ.

Στην πραγματικότητα, το μοντάζ είναι εκεί, αλλά κρυμμένο. Οι συνδέσεις γίνονται όταν η κάμερα περνά από κάποιο σκοτεινό στοιχείο.

Και η «Ρωσική Κιβωτός» του Alexander Sokurov φαίνεται ακόμα πιο δυνατή. Η δράση διαδραματίζεται στο Ερμιτάζ και ο σκηνοθέτης δόθηκε μια μέρα για γυρίσματα. Ως εκ τούτου, αποφάσισε να τραβήξει την εικόνα χωρίς να κολλήσει.

Χρειάστηκαν επτά μήνες πρόβες με 800 έξτρα. Ως αποτέλεσμα, από την τρίτη λήψη, γύρισαν μια ολόκληρη ταινία με διάρκεια 1 ώρα και 27 λεπτά.

Στην πραγματικότητα, υπάρχουν πολύ περισσότερες τέτοιες λεπτότητες. Αλλά πολλά από αυτά απαιτούν ήδη βαθιά γνώση σκηνοθεσίας και κινηματογράφου. Αυτά είναι απλά παραδείγματα που μπορεί κανείς να δει σε πολλές ταινίες. Και κατά την προβολή της επόμενης εικόνας, σίγουρα θα σας εντυπωσιάσει η "ολλανδική γωνία" ή ένα μακρύ καρέ χωρίς επεξεργασία. Αλλά αυτό δεν θα καταστρέψει τη μαγεία του κινηματογράφου, αλλά, αντίθετα, θα κάνει την προβολή ακόμα πιο ενδιαφέρουσα.